Minha nossa - Teatro - Planetário

O espetáculo teatral “Minha Nossa” será apresentado no Teatro Municipal Maria Clara Machado (Planetário), no Rio de Janeiro, dentro do Projeto Ágora Novas Cenas, que contempla jovens profissionais, criando um local para encontro e reflexão sobre a nova produção teatral carioca. Serão quatro apresentações, nos dias 11, 12, 18 e 19 de setembro de 2012, terças e quartas, às 21h.

Sobre o projeto

A peça “Minha Nossa”, com texto de Carlos Alberto Soffredini, foi escrita em 1984, mas permanece inédita na cidade do Rio de Janeiro. Falecido em 2001, Soffredini marcou a história do teatro brasileiro, tendo recebido diversos prêmios ao longo de sua carreira, e construiu sua trajetória artística tendo como premissa a pesquisa da cultura popular brasileira e o desenvolvimento de uma estética teatral popular. A peça “Minha Nossa” reflete essa trajetória. Explorando com muito humor um fato ocorrido na cidade de Aparecida, no interior de São Paulo, o autor reflete sobre o misticismo do povo brasileiro e revela traços da cultura da região.

O espetáculo “Minha Nossa” é fruto de longa pesquisa sobre a obra de Carlos Alberto Soffredini, iniciada pela diretora Laura Nielsen em 2010, enquanto desenvolvia seus estudos no Curso de Direção Teatral da UFRJ – Universidade Federal do Rio de Janeiro. A montagem é produzida pela companhia Proposta A6, que já realizou dois trabalhos profissionais: “!RUNNERS” e “ANTES/DEPOIS”, ambos buscando textos e influências de artistas estrangeiros. Esse projeto nasceu do desejo da diretora e do grupo de pesquisar a cultura popular brasileira, voltando agora o olhar para o nosso país, suas tradições e contradições.

“Minha Nossa” parte de pesquisas jornalísticas e depoimentos sobre o atentado à imagem de Nossa Senhora Aparecida, ocorrido em 1978. O enredo baseia-se em uma história real, quando um rapaz, de 19 anos, chega, em romaria, à cidade de Aparecida, e quebra a imagem de Nossa Senhora, Padroeira do Brasil. O episódio transforma-se, pelas mãos de Soffredini, em uma narrativa bastante fragmentada, estruturada a partir de diversos pontos de vista sobre o fato. A peça não apresenta, no entanto, a simples reconstituição deste episódio. Evidenciando as diversas versões e a proliferação de discursos sobre o fato histórico, enfatiza, sobretudo, as contradições entre esses inúmeros pontos de vista, promovendo uma curiosa discussão sobre a situação em que o protagonista se encontra e impedindo que se estabeleça um julgamento definitivo sobre a sua ação.

Partindo de um fato real, o autor escreve uma ficção. Mas o que aconteceu de fato? Qual é a verdade sobre essa história? O texto corresponde ao fato histórico? A peça levanta essas questões, enfatizando a tensão entre o material ficcional e o documental, ou a tênue fronteira entre realidade e ficção.

“Minha Nossa” discute temas arriscados: a fé e o questionamento da ordem estabelecida. O fato do autor e da direção lidarem com esses temas de maneira leve e bem humorada, confere ao espetáculo grande potência.

Este projeto não conta com nenhum patrocínio e necessita do seu apoio, através do site Catarse, para a realização dessas quatro apresentações, já confirmadas, no Teatro Municipal Maria Clara Machado – Planetário da Gávea. Precisamos arrecadar 4.000,00 (quatro mil reais) que servirão para o pagamento da equipe técnica, aluguel de equipamento de luz e som, transporte de cenário, confecção e impressão de material de divulgação. As contribuições poderão ser feitas até o dia 4 de setembro. Contamos com a colaboração de vocês!

Ficha Técnica:

Texto: Carlos Alberto Soffredini
Direção: Laura Nielsen
Supervisão Geral: Gabriela Lirio
Assistente de direção: Thais Barros
Elenco: Anita Mafra, Ana Beatriz Macedo, Carol Costa, Iuri Kruschewski, Luiz Paulo Barreto e Manoel Madeira
Cenário: Carlos Augusto Campos e Leandro Ribeiro
Assistente de Cenário: Leo Jesus
Figurino: Mariella Pimentel
Assistente de Figurino: Juliana Baptista
Orientação de Cenário e Figurino: Ronald Teixeira
Direção Musical: Felipe Habib e Gustavo Medina
Improvisação Vocal: Camila Caputti
Gravação e Mixagem: Demian Garcia
Iluminação: Allan Imianowski
Projeção ao vivo: Diogo Liberano e Laura Nielsen
Edição de vídeo: Thaís Grechi
Colaboração artística: André Grabois
Operação de som: Thaís Barros
Operação de Luz: Davi Palmeira
Produção Executiva: Bruno Quaresma e Dani Dias
Idealização e Direção de Produção: Laura Nielsen
Realização: Proposta A6 e UFRJ – Universidade Federal do Rio de Janeiro

Serviço:

Quando: De 11 a 19 de setembro (terças e quartas, às 21h)
Onde: Teatro Municipal Maria Clara Machado – Planetário da Gávea (Rua Padre Leonel Franca, 240)
Classificação Indicativa: 12 anos
Duração do Espetáculo: 60 minutos

Oceanos - Centro Cultural dos Correios

Exposição fotográfica “Oceanos”

  Projeto: Marcello Camargo e Daniel Leão. Montagem: Articulação Cenografia. Supervisão de Montagem: Carlos Augusto Campos e Leandro Ribeiro.

 A Aliança Francesa e a Fondation Total apresentaram, de 17/05 a 01/07, no Centro Cultural Correios, a exposição fotográfica "Oceanos", que exibiu imagens inéditas do fundo do mar.

A Serpente - Nelson Rodrigues

Teatro Dulcina - Dias 30 e 31 de agosto.

Direção: Antônio Guedes

Teatro - É culpa da vida que sonhei ou dos sonhos que vivi.

Gláucio Gill - Copacabana

Ótimo texto de Iuri Kruschewsky em espetáculo interessante

            "A melhor coisa de “É culpa da vida que sonhei ou dos sonhos que vivi” é o texto se a sinopse da peça não for lida antes dela começar. Iuri Kruschewsky cria uma situação tão bem amarrada dramaturgicamente que o espectador desavisado tem a chance de se deliciar na dúvida a respeito do que ocorre no plano da realidade e do que acontece na imaginação do protagonista. Alex é quem guia a história. Ele é escritor e está trabalhando em mais um romance. Os outros personagens que aparecem se perdem na mistura entre ficção e não-ficção, entre sonhos vividos e vida idealizada. Sem conseguir jamais estabelecer um traço que defina quem está de qual lado, a audiência tem a sua disposição um belo espetáculo que faz pensar sobre a quantidade de sonhos que nutrem a nossa existência e tem um exemplo de avaliação sobre as conseqüências disso. Com direção do próprio Kruschewsky, o espetáculo apresenta uma boa movimentação cênica e propostas estéticas bastante interessantes."

          

           " São interessantes o desenho de luz de João Gioia, que mantém a dúvida citada quando deixa acesa a luz sobre a máquina de escrever, e o cenário de Carlos Augusto Campos, que, fazendo com que todos os móveis saiam de dentro de malas, suspende o conceito de viagem como lugar intermediário onde tudo ocorre." 

            “É culpa da vida que sonhei ou dos sonhos que vivi” é um drama contemporâneo que diz muito para os dias de hoje, quando é fácil se deixar levar por sonhos, vontades, desejos do coração e da mente criativa. O espetáculo, por isso, há de cumprir uma bela carreira."

RODRIGO MONTEIRO - CRÍTICA TEATRAL

Ficha técnica:

Direção e Dramaturgia: Iuri Kruschewsky

Elenco: Bruno Quaresma, Kelly Iranzo, Manoel Madeira e Marianna Pastori.

Produção: Gustavo Rodrigo Herdt e Proposta A6

Iluminação: João Gioia

Figurino: Ticiana Passos

Cenário: Carlos Augusto Campos

Sonoplastia: Pedro Poema

Assistente de direção: Ana Beatriz Macedo

Coreografia: Luiza Azeredo

Assistente de cenografia: Samanta Toledo

EXPOSIÇÃO - Estúdio Harcourt de Paris

Centro Cultural dos Correios - Rio de Janeiro

"O Centro Cultural do Correios sediará, entre os dias 5 de julho e 12 de agosto, a mostra fotográfica "Harcourt - Escultor de Luz", com 99 fotos em preto e branco do estúdio francês Harcourt, uma das lendas vivas da fotografia mundial ao  imortalizar, por meio de seus retratos, celebridades do mundo da cultura, das ciências, do esporte, da vida pública do início do século XX até a atualidade, incluindo-se nesse rol a boneca Barbie.

Entre personalidades da velha e da nova geração que foram clicadas no Harcout, podem ser citados Brigitte Bardot, Salvador Dalí, Charles Aznavour, Alain Delon, François Mitterrand, Zinedine Zidane, Spike Lee, Rafael Nadal, Christien Slater, John Malkovich, Michael Schumacher e também os brasileiros Paulo Coelho, Glória Pires, Gustavo Kuerten e o cacique Raoni.

Reconhecido por suas fotos inconfundíveis e uma iluminação única - em que fazia uso de halos luminosos e maquiagem de forma a brincar com a sombra e a luz -, o  Harcourt foi criado em 1934 e logo viria a tranformar-se em um estúdio mundialmente famoso. Seu segredo? Sublimar a arte do retrato fotográfico, onde cada foto deveria ser excepcional. Nos dias de hoje, o local ainda  continua como um "escultor da luz", revivendo toda a emoção de uma época que passou. Seu acervo, contudo, pertence ao governo francês desde 1986. " 

A Entrada é franca 

Centro Cultural dos Correios

Rua Visconde de Itaboraí, 20 

Centro - Rio de Janeiro

Tel: 21 2253-1580

(Fonte: Aliança Francesa & CCC)

Espaço Encontro das Águas - Parque dos Patins

Exposição de fotos de animais ameaçados de extinção.

Projeto: Marcello Camargo e Daniel Leão

Supervisão Cenotécnica: Carlos Augusto Campos  e Leandro Ribeiro

Montagem: Articulação Cenografia

A secretaria do Ambiente inaugurou na segunda-feira passada (18/6) a exposição Abrace essas Dez!, que reúne fotografias das espécies da fauna fluminense apontadas como as mais ameaçadas de extinção. A mostra, que fica em cartaz por dois meses no Espaço do Ambiente, na Lagoa, contará nos finais de semana com atividades lúdicas relacionadas a iniciativas pela preservação desses animais.

O concurso, que contou com a participação de fotógrafos profissionais e amadores, premiou o registro de diversos ambientes naturais que compõem a paisagem do Rio de Janeiro onde ficam as espécies em risco de extinção. Segundo Minc, a ideia do concurso e da exposição surgiu quando ele visitou uma mostra de fotografias da Associação de Fotógrafos da Natureza no Jardim Botânico.

Na exposição, o secretário do Ambiente anunciou a ampliação do Parque Nacional de Jurubatiba, em Quissamã, no Norte Fluminense.

Primeiro colocado no concurso de fotografia, Fábio Moitea foi premiado pelo registro do Parque Nacional de Itatiaia, no Médio Paraíba fluminense, ecossistema do tatu-canastra, uma das espécies ameaçadas de extinção.

Ao registrar um boto-cinza, o biólogo e fotógrafo Leonardo Flach foi outro premiado pelo concurso.

Uma iniciativa da Secretaria de Estado do Ambiente (SEA), em parceria com a Associação de Fotógrafos da Natureza, a exposição faz parte da campanha Defenda as Espécies Ameaçadas – Abrace essas Dez!, lançada pela Secretaria do Ambiente em setembro do ano passado.

Na cerimônia, que fez parte da agenda da Rio+20, foi divulgada a campanha para que o macaco muriqui – um dos animais ameaçados de extinção – seja escolhido o mascote dos Jogos Olímpicos de 2016.

As dez espécies que vivem na Mata Atlântica em risco de extinção são a preguiça-de-coleira; formigueiro-do-litoral; lagarto-branco-da-areia; muriqui; jacutinga; cágado-do-paraíba; boto-cinza; tatu-canastra; mico-leão-dourado e surubim-do-paraíba.

Crítica Teatral - Barba Azul "A Esperança das Mulheres"

A dor e a esperança do amor (e do teatro)

"Crítica de Barba Azul – A esperança das mulheres, direção de Oscar Saraiva

Autor: Dâmaris Grün

Foto: Divulgação.

A ocupação artística Vem!, do Teatro Gonzaguinha, no Centro Cultural Calaouste Gulbenkian, tem em sua programação uma plataforma que se dedica aos trabalhos recém saídos do âmbito acadêmico, que se chama Incubadora. Essa plataforma leva ao palco do teatro os trabalhos de companhias recém formadas, de jovens produtores, atores e também diretores. Esse espaço é o lugar em que esses jovens artistas podem mostrar suas experimentações a um público mais amplo e diversificado do que aquele que frequenta, normalmente, as universidades e escolas de teatro. É um espaço em que o novo ator/diretor/produtor e as companhias possam exercitar, bem como construir, sua liberdade artística, ao mesmo tempo em que desenvolvem sua autogestão, podendo trilhar um caminho mais profissional. Considero importante essa iniciativa dentro da programação do Teatro Gonzaguinha porque dissemina a possibilidade de reunir projetos artísticos que procuram de alguma forma encarar o teatro como o lugar da pesquisa, do campo da experimentação de novas linguagens estéticas, e dos riscos que isso pressupõe, e também a possibilidade do risco no campo das produções independentes e a sua exposição para um público além daquele do âmbito acadêmico. Acho importante disseminar o pensamento crítico sobre esses trabalhos. Muitas vezes, vêm carregados de forte caráter colaborativo, tanto na sua produção como na sua estrutura poética.
O primeiro trabalho do Incubadora a que pude assistir foi Barba Azul – A esperança das mulheres, peça dirigida por Oscar Saraiva e que é oriunda do curso de artes dramáticas do Centro Universitário da Cidade, sendo assim, uma peça de formatura. O texto é de Dea Loher, dramaturga alemã que se inspirou no conto de fadas do século XVII, La Barbe-Bleue de Charles Perrault. No conto, um aristocrata extremamente feio, e que possui uma excêntrica barba azul, mata suas mulheres após casar-se com elas, escondendo-as num quarto em seu enorme castelo. Mas Dea Loher não faz uma adaptação do conto aos dias atuais. Ela o toma como pretexto, uma inspiração para falar dos relacionamentos afetivos fadados ao fracasso e ao inevitável desencontro de “almas gêmeas” no ciclo caótico da sociedade contemporânea em que vivemos.
O drama da autora alemã narra a história de Henrique (Iuri Kruschwesky), um vendedor de sapatos femininos (eis aí a presença de um fetiche sexual masculino, o pé de uma mulher!), morador de uma grande metrópole, um homem “sem imaginação”, como a própria autora descreve, e seus encontros fortuitos e sequenciais com sete mulheres solitárias. À medida que ele vai se relacionando com essas belas mulheres, ele mata, sem dó nem piedade, friamente, cada uma delas, como no conto de Charles Perrault.
O texto é dividido em cenas narradas pelo personagem Henrique e pelas mulheres. Essas narrações são entrecortadas por diálogos curtos e ágeis entre cada encontro de Henrique com sua “presa”. A narrativa é fragmentada no sentido de não haver uma lógica ficcional da história com início, meio e fim. Cada cena de Henrique com uma mulher se estabelece como um bloco de falas, de diálogos rápidos e objetivos. A estrutura de blocos narrativos, que não quer dar conta de uma coesão linear da história, estabelece um espetáculo em tom de depoimento dos personagens para o público e de cada mulher para Henrique. E, em certa medida, dos atores diante do espectador, pois é possível perceber a atitude de desconstrução de camadas do personagem pelo ator em cena.
Fica a cargo da personagem Julia, a cega (Mariana Terra) ser uma espécie de narradora onipresente, intercalando monólogos direcionados para Henrique e para o público. Suas falas exprimem metaforicamente a solidão que sua cegueira lhe propiciou e que se reflete na trajetória do personagem Henrique, que quer amar a todas, mas só consegue lhes dar a morte em troca. Os diálogos entre as mulheres e Henrique exprimem a dor e a angústia de cada personagem diante do problema do amor e do desejo: Júlia, o primeiro amor (Marianna Pastori), Judite, a insone (Etiene Mascarenhas), Anna, a amiga (Nayana Carvalho), A prostitua, (Thaissa Yumi), Eva, a mulher com revólver (Nataly Batistela) e A audaciosa (Larissa Chiben) aparecem como tipos, o que é evidenciado na dramaturgia, que apresenta a personagem com um nome seguido de uma identificação subjetiva, denotando a solidão e a busca por algo que dê sentido às suas vidas. Essas mulheres, por algum motivo que desconhecemos, vêm em Henrique a esperança do amor para suas vidas vazias de afeto. Pedem que o mesmo satisfaça seus desejos, dos mais óbvios, como a prostituta que quer ser amada e escolhida, como o desejo de levar um tiro no coração (metáfora da morte por amor).
A encenação de Oscar Saraiva é bastante fiel à estrutura narrativa do texto de Dea Loher. O diretor conserva o caráter narrativo em que os atores se dirigem diretamente ao espectador, traçando comentários sobre a trajetória do personagem central e de cada mulher. Do palco, os atores recebem o público, já caracterizados por seus personagens. Mas essa condição é tensionada na medida em eles se colocam na condição do ator sem disfarces, e que se dispõem ao contato direto e objetivo com o espectador. Da mesma forma que vemos os personagens, vemos os atores no esforço de mostrá-los, marcando-os como tipos com gestualidade, fala e corpo definidos em cada construção.
Na cenografia de Carlos Augusto Campos tem destaque o fundo do palco, que é recoberto por uma espécie de quadro negro, em toda a extensão longitudinal do espaço cênico, que está todo escrito com giz branco. São palavras aparentemente soltas, que lotam o espaço do quadro e parecem ter sido escritas aos poucos, à medida que a peça foi sendo levantada, trabalhada e, finalmente, apresentada. É como se esse quadro tivesse sido preenchido ao longo do processo criativo e exprimisse a vontade de cada ator e da equipe envolvida na criação, de externar sentimentos, dúvidas, questões, dores e paixões tanto em relação ao que o espetáculo trata como ao próprio sentido de ser essa uma peça de caráter universitário, recém saído do âmbito acadêmico e assim, carregado das dúvidas legítimas de jovens artistas. O cenário é ainda composto por bancos de madeira e duas penteadeiras com lâmpadas nos espelhos, o que reflete a intenção de mostrar os bastidores de uma peça, a sua preparação, a preparação de cada ator e de todo o coletivo.
Dâmaris Grün é atriz formada em Teoria do Teatro pela Unirio"